김정자 작가의 화면은 고요 속 내면과 시적 감흥을 불러일으키는 미학을 추구하는 작업이다. 사물의 사실적 묘사를 일차적 작업의 한 켜로 거두어 두고 시적인 연상 작용의 작업을 시도한다. 채색 풍경은 한국화가 갖는 색채의 요소와 모필(毛筆)로 찍어내듯 표현된 사물들을 통해 구도의 조형과 색채의 주체가 이뤄낸 작업의 재현이다. 작가의 작업에 나타나는 여백이 많은 공간은 시(詩)가 되어 있다. 낮은 채도의 모노톤(Monotone) 컬러는 작가의 수많은 작업에서 얻은 색채의 번짐과 밀도를 임상적 이끌림의 방향으로 배접(褙接)이 되어 있다.그의 장지 위의 작업은 색과 터치, 드로잉의 작업 중 채색인 색채가 결정적이다. 사물 대상을 내재화한 후에 다시 외부로 표출하는 것. 그것이 표현이고 색채이다. 작가는 표현과 색채를 도구로 자연을 담았다. 작가의 작업에서 나타나는 절제된 색상과 시적 이미지의 함축된 의미가 무엇인지 하는 궁금증을 불러일으킨다.김정자 작가의 작업의 한 포맷이 되는 강가의 메시지는 이러하다. 저 깊이 숨겼던 부끄러운 일들 다 내놓으라 하고 타이르듯 바람은 전한다. 눈을 감으면 내 안의 내면이 보인다. 걷고 또 걷는 갈 길을 스스로 선택한 그곳을 걷는 것, 내 숨으로 온전히 걷는 것, 걸어서 강가에 다다른다. 김정자 작가의 작업은 자연과 내면을 넘나들며 작가의 손끝에서 빚어지는 시의 심상이다. 작품에서 안내하는 길은 자신의 아래에서 자신의 밖으로 나와 멀리서 생각과 느낌을 관찰한다. 붙잡으려 하지 말고, 밀쳐 내려 하지 않고 담담히 받아들임이다. 마음 챙김(mindfulness)을 허락 하라고 갈대의 공간은 말한다. 또한 김 작가의 작업은 자연 안에서 삶이 이어지는 우리가 살아가고 있는 클리셰(cliché) 스토리 방식을 넘는 서사의 힘으로 오고 있다. 삶과 영혼의 자유가 통제됨을 불허한다. 그대 자유 하라! 작가는 작업 속의 삶의 시간을 악보로 쓰고 있다면 지금 어떤 속도로 연주하는 순간이 될까! 아마도 쉼을 고르는 자세이다. 기교를 의도적으로 밀어낸 자연과의 조우에서 모든 것을 단순화 해내는 비움의 책략은 한층 더 자연을 이해하고 그대로 보존되어야 하는 그 땅의 이야기를 해야 한다는 작가의 작업 이론이다. ■ 문화예술학 박사, 서경대학교  양지원

캔버스 라는 <장, field> 안에서 색, 형태와 선들은 상호작용을 하며 서로 유기적으로 움직인다. 이 안에서 다채로운 선과 동작들은 직선과 곡선이 뒤엉켜 있음에도 불구하고 서로 조화를 이룬 채 흘러간다.그 위에는 작가 특유의 wet-on-wet 화법이 있다. 마르지 않은 채 재빠른 속도로 겹겹이 덧칠해지고 닦아지는 붓 터치의 과정이 반복되다 보면 어느새 작업이 형태를 이루게 된다. 유화가 마르는 시간- 고도의 집중력과 감각적인 판단이 필요한 순간이다. 작가는 상황의 감정이나 기쁨과 고뇌를 면적을 분할하고 획을 긋는 붓의 제스쳐를 통해 고스란히 전달함으로 그녀와 닮은 결과물들을 만들어 간다. 여기에 유화 특유의 매끄러움과 투명함이 속도감 위에 더해져생동감 있는 공간들로 새로이 탄생된다. 이 유연한 공간은 제스쳐(gesture), 레이어(layer) 와 빛(light)을 통해 만들어진다. 빛은 단순한 공간감의 표현보다 작가의 삶을 둘러싸고 있는 큰 원동력을 표현한다. 빛은 형태를 뚜렷하게 하면서 동시에 형태를 앗아가기도 하며, 사물의 겉 표면과 내면의 깊이의 경계를 넘나든다. 이러한 유동적인 빛의 자취를 투영하기 위해 항상 여백을 남기고, 밀도 있는 표현기법보다 흩어지고 퍼져나가는 간결한 제스쳐를 사용하며 물감을 서서히 쌓아 올린다. 이렇게 쌓인 얇은 레이어들은 평면 속에서 신비한 공간감을 드러낸다. 작가는 이러한 유동적인 빛을 주변의 자연속 이미지에서 발견한다. 작품에서 종종 등장하는 끊기지 않고 연속해서 밖으로 뻗은 선들은 정해진 빛의 틀 안에서 존재하는 유한한 가능성을 나타낸다. 모든 창조가 빛에서 이루어짐을 그러나 그 빛을 통해 다시 새롭게 뻗어나가는 과정을 이 공간에 나타내고 싶은 것이다.강렬한 터치로 보여지는 빛과 사물 사이의 유연한 공간은 순간 우리 삶의 공간이기도 하고 또 자연의 일부 이기도 하다. 삶의 파편들이 작업에 녹아 드는 것은 지극히 자연스러운 일이지만 이것이 붓의 제스처를 통해 다른 이들에게 전해 질 때 더욱 작가의 작업이 빛을 발하게 된다. ■ 신 하 늘

“시간이란 무엇인지 우리는 누구로부터 물음을 받지 않아도 잘 알고 있다. 그러나 설명하라고 한다면 어떻게 대답해야 좋을지 막연하다.”<성 아우구스티누스 ‘고백론’> 다시 말해 시간은 우리가 살아있는 한 우리의 일상과 함께 흐르는 무형의 의미이다. 형체가 없으나 존재하며, 당연한 듯 인식하지만 정의 내리려하면 그 실체가 나타나지 않는다. ​ 시간이 ‘몇 월, 몇 일, 몇 시, 몇 분’이라는 물리적 성질을 벗어나고 나면 우리에게 어떻게 남게 되는가? 아마도 우리의 일기장속 작은 역사에는 하나의 사건으로 정리되어질 것이다. 그리고 그 사건들은 기억으로 저장 될 것이다. 그러나 감각적으로 시간이 정의되어진다면, 그 시간은 기억을 포함한 감정으로 담겨 우리의 모든 세포에 흔적으로 남게 될 것이다. 이러한 흔적은 기억보다 깊은 힘을 가지고 있어서 쉬이 소거되어지지 않고 유사한 감각적 자극에 의해 소환되어 더욱 풍부한 감정적 경험을 가지도록 한다... ... 빛과 어둠이 교차하고 중첩되는 시간은 가장 감각이 예민해지는 때가 아닐까?. 이 시간은 따뜻하면서도 차갑고 행복이 가득한듯하나 외롭고 쓸쓸하며 활기차면서도 무기력하기 때문이다. 모순적이게도 그래서 무엇보다 창조적인 시간이다. 극단적인 감정이 오고가고 그 사이에 많은 다름을 만들어 낸다. ​ 나의 작품은 이와 같은 시간의 감각적, 감정적 표현을 주제로 한다. 앞서 말한 빛과 어둠이 교차되고 중첩되어지는 때에 내가 느낀 여러 감정적 파동을 담아내어, 보는 이로 하여금 나와 같은 혹은 또 다른 감각적 경험을 갖게 하여 다양한 감정을 창출함으로써 더욱 풍부해지고 의미 있어진다 하겠다. ■ 이 진 주

[김시종 개인전: Betweenness]는 김시종 작가가 영국 런던에서 2년 동안 생활하면서 느낀 문화, 국가, 인종 등의 경계에 대한 의문과 고민들을 조심스러우면서도 유머러스하게 풀어낸 작업들을 소개한다. 어려서부터 외국과 국내의 다양한 곳으로 거처를 옮겼던 작가는 영국에서 생활하며 처음으로 있고 싶은 곳이라고 마음껏 머무를 수는 없다는 것을 깨닫게 된다. 무엇이 사람들을 그렇게 구분짓는지 호기심이 생긴 작가는 [Invasion] 시리즈에서 영국을 비롯한 서양의 오래된 사진들을 찾아 그 안에 자신의 얼굴을 합성시키며 자신과 그곳의 다른 사람들을 구분짓던 경계들을 흐릿하게 만든다. 뿐만 아니라 영국의 자선 중고 가게들을 돌아다니며 발견한 낡은 액자들 안에 그 사진들을 넣어 뻔뻔하게 자신이 그들의 역사 속에 실제로 존재했던 것처럼 전시한다. 한국에 돌아와 만든 새로운 작업들에서는 얼마 전 크게 성공한 영화 [보헤미안 랩소디]에서 영감을 받아 이방인으로서 영국에서 성공했던 프레디 머큐리에 자신의 얼굴을 합성하는가 하면, 서양의 옛날 왕 초상, 우리나라의 어진과 산수화부터 일본의 우키요에 등을 가져와 합성하여 여러 문화와 시간대가 혼재하는 이미지들을 만들어낸다. 이렇게 여러 시간대와 문화가 뒤섞인 이미지들을 통하여 우리를 규정하는 문화와 그것이 만들어내는 관계에 대하여 생각해보는 시간을 갖게 되기를 소망한다  ■ 김 시 종